Categoria: Progetti

[:en]Catholic religion appears to develop a new definition of its own behavioral codes. While ceremonies and architecture are codified to auto-celebrate and reflect the glorious past, when temporal and spiritual powers merged and were part of everyday cleric life and founded their values, today the clergy lives in a strange state of contrast. Contemporary society pressures it to confront with modern questions related with technology, globalization, consumerism, medias, and merchandise, values completely modified in the past 50 years.

The clergy is the natural custodian of tradition and handlers of the past, but today it frantically looks for an up to date, to communicate with believers in a new and effective way. On the brink between the inner need to represent traditions and past authority, and the attempt to modernize in order not to feel marginalized from the contemporary society, following the guidelines dictated by the summit and individually declined, the result is a version of Catholicism that may appears sometimes awkward and funny.

This series aims to explore this ridge-line, the difficult pursuit to harmonize traditions and present times.

Most of these photos where taken in Rome centre of the Catholic religion, seat of the Pope, offices of the Holy See, of St Peter Cathedral and in other pilgrimage sites, where religion interlaces naturally (or unnaturally?) with commerce, tourism, marketing and public life.

 

 

[:it]La religione cattolica sembra attraversare un periodo di nuova definizione dei propri canoni comportamentali: mentre i suoi riti e le architetture sono stati codificati in senso auto-celebrativo e riflettono il glorioso passato, in particolare il tempo in cui potere temporale e spirituale erano complementari e perciò fornivano al clero una precisa indicazione dei valori comportamentali di riferimento, oggi  il clero vive uno strano stato di contrasto. La società contemporanea lo istiga a confrontarsi con istanze incalzanti come la tecnologia, la globalizzazione, il consumismo, i media, il mercato del merchandising, valori completamente modificatisi negli ultimi cinquant’anni.

Il clero ha una intrinseca natura di custode e responsabile del passato, ma oggi affannosamente cerca di aggiornarsi per comunicare con i propri fedeli in un modo nuovo e efficace.  Sul crinale tra l’intrinseco bisogno di rappresentare le tradizioni e l’autorità del passato. e il tentativo di modernizzarsi per non restare marginalizzato nella società contemporanea, seguendo le linee guida dettate dei vertici e poi declinate individualmente.

Il risultato è una versione della religione che può apparire a volte maldestra e buffa.

Lo scopo di questa serie è quello di esplorare questo confine, la difficile ricerca per armonizzare le tradizioni e il il tempo presente.

La maggior parte delle foto sono state scattate a Roma, centro mondiale del religione cattolica, sede ufficiale del Papa, degli uffici della Santa Sede, della Cattedrale di San Pietro e in molti altri famosi luoghi di pellegrinaggio, dove la religione si interseca inesorabilmente e naturalmente (o innaturalmente?) con il commercio, il turismo, il marketing e la vita pubblica. 

 

[:en]This series of photos is a visual reflection on the actual favorable life expectancy, incredibly increased in the last 100 years, and the pervasive hedonism of our society, which creates a paradoxical situation of non-acceptance of what looks old. This behavior is probably more visible in women, where aging is often denied turning to beauty treatments and plastic surgery. 

The utopian will to keep or reach an ideally conceived beauty, leads the subject to enter into a spiral of irreversible processes that generates an effect of alienation till extreme situations, where he/she may not more recognize himself in his/her own body. 

Images of this series want to explore this perturbation of the self perception, hidden behind the imperishable smile and unshakable serene look of the Barbies, model of beauty since the Sixties, that matches with old and dried flowers and fruits, which would celebrate the supreme and indisputable beauty of nature, even when it’s aged. 

I used a macro lens to create this series. 

[:it]Questa serie di fotografie è una riflessione visiva rispetto alla favorevole aspettativa di vita che è incredibilmente aumentata negli ultimi cento anni, e il diffuso edonismo della nostra società, che ha generato una situazione paradossale di non-accettazione di ciò che appare vecchio. Questo comportamento è probabilmente più evidente nelle donne, dove il naturale invecchiamento è spesso negato ricorrendo a trattamenti di bellezza e chirurgia estetica.  

L’utopistico desiderio di mantenere o raggiungere un ideale di bellezza induce a entrare in una spirale di processi irreversibili che generano un effetto di estraniamento nel soggetto che, in casi estremi, finisce per non riconoscersi più nelle sue forme modificate. Le immagini di questa serie vogliono esplorare questo senso di sconvolgimento della percezione del sé, nascosta dietro al sorriso incorruttibile e allo sguardo sereno inalterabile delle Barbies, mentre l’accostamento con fiori e frutta caduchi, vuole celebrare la suprema e indiscutibile bellezza della natura, anche quando sta per o è già appassita.

Ho usato la lente macro per realizzare questa serie.  

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[:en]this series is part of a larger research about variation on the same theme, where I focus on human marks which are part of our collective imagination (windows, lampposts, etc)

 

[:it]questa serie fa parte di una più ampia ricerca dove cerco di esplorare la variazione sullo stesso tema,ossia i segnacoli umani che fanno ormai parte del nostro immaginario collettivo (finestre, lampioni, etc)

 

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Windows are like living being’s eyes, breaks into the building’s texture that recount the story of those who lives there or has hung out at. They sway in between the open invitation to share intimacy and the fastened banishment of a separating screen. They are like our country’s borders, dictating halt or hinting at a welcome. Anyway, they always preserve marks of who has passed there.

 

 

 [:it]Le finestre sono come gli occhi degli esseri viventi, cesure nel tessuto degli edifici che raccontano le storie di chi le abita o le ha frequentate. Oscillano tra l’aperto invito alla condivisione dell’intimità e il serrato allontanamento dello schermo che separa. Sono come i confini tra le nostre nazioni, impongono l’alt o accennano il benvenuto. Sempre, comunque, conservano la traccia di chi vi è passato.

 

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[:en]This series aims to represent my inner life and how it’s developed from a chaotic organization into a clearer definition of itself. It was a long and painful path, done into an “apparently” normal life, but it was very hard for me, as I believe it’s for everyone.

In this series I stage as myself in different situations, representing strong inner conflicts arising. Being at the same time the photographer behind the camera and the two characters allows me to represent in the material world the inner space, a place not belonging to it but still existing and real. Part of it has been realized using multiple-exposure technique because I wanted to represent when I felt to be a spectator of my-self, and of my life. When it occurred I experienced a wide range of emotions, from gratitude and compassion (as when I suddenly remembered difficult circumstances in which I had passed through) to shame or judgment (as when I felt the shame about an uncontrolled behaviour or a failure, or the posthumous inflexibility of a self-erotic act).

Another part of the series is made of self-portraits mounted in post-production into a single photo. It was where I wanted to represent when my Ego and its double face one to each other. One of the characters is the socially correct self: scared from others’ judgment, it absolutely doesn’t want to show alterations in its state of mind and minimizes its emotions. It faces a second expression of my Ego, its counter-part represented by a strong emotion that is kept alive by a hidden and continuous thought. Paradoxically the former won’t survive without the last. I live in a strong inner conflict until they don’t meet, often not knowing it. When I allow the antagonistic selves to encounter, I am firstly frightened from the dreadful clash that inevitably happens, then, I slowly accept my inadequacy and fragility. These conflicts represented are depression, huffiness, rage, and sexuality.

In the last work MM another subject appears: it is my mother, the origin of my life and the end of my research. MM is the representation of a conflict between a mother and her daughter, the suffering realization of the absolute puppeteer power that a mother can employ, more or less unwittingly, over her sons.

But not only: at the same time, it’s the suffering process through which we accept to become orphan of our living parents and finally reborn and grow up as son of our consciousness. It’s the painful prelude to the birth of our Inner Mother. While we still live considering every responsibility depended on external causes, we live in the shadow of our parents (alive or imaginary), while when we overturn this perspective, we finally become Mother of our life.

ME, I AM THE MOTHER OF MYSELF.

 

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This series of self-portraits represents a reflection about being. I ask myself what we are and how our appearance is connected to our intimate being, how our social-self interacts with our deeper-self, that one which is rarely or never evident. The couples of portraits show three possible encounters:

the first shows when my intimacy observes itself: both naked, they are represented in the context of the deep intricacy of my inner self, which is always changeable and that you can catch in rare moments of awareness about yourself;

the second couple represents my inner identity naked that observes my social identity;

the third couple represents my inner and social selves seen through public observation. Here the observer meets my dressed social-self and feels that he can completely and totally catches and knows it; at the same time he comes in contact with my inner identity. The observer has an uncertain and wavering knowledge of the second because the nature of your inner-self is relentlessly changing and that is why we cannot ever say to know it conclusively.

 

Queste coppie di autoritratti compongono una serie di riflessioni sull’essere. Mi chiedo cosa siamo realmente e come la nostra apparenza sia connessa al nostro intimo essere, quale rapporto interconnette il nostro Io-sociale che interagisce con il mondo esterno e il nostro Io-interiore profondo e meno, o mai, manifesto.
Le coppie di ritratti rappresentano questo possibile incontro:

nella prima coppia la mia identità intima osserva la mia stessa intimità, sono entrambe nude, il contesto è quello dei meandri profondi dell’interiorità, sempre mutevoli, ma che soltanto noi stessi siamo in grado di cogliere in momenti di rara lucidità, quando l’intimità indaga se stessa;

nella seconda la mia identità interiore è nuda e scruta la sua controparte sociale;

nella terza coppia l’intimità e l’apparenza si offrono all’osservazione esterna. In quest’ultima composizione, l’osservatore incontra l’identità esteriore vestita e sente di coglierla e conoscerla nella sua completezza e definitezza; contemporaneamente entra in contatto con la mia identità interiore più intima di cui però ha una conoscenza fluida, sfuggente poiché la natura stessa del nostro Io-profondo è il continuo mutamento e per questo passibile di una conoscenza mai definitive.

 

Another point of view is an open project of photos and compositions inspired by quantum physics. In the realm of quantum physics, observing something actually influences the physical process that is taking place. Amazed by this information I have compared it to photography, the process where a photographer chooses and selects portions of reality and represents it through his language. What we see in a photo is of course an interpretation of what has been seen. But it is not simply the photographer who affects a representation of the real, everyone who is watching his own reality is effecting on it at the same time. I am collecting a number of photos where I purposely change my point of view shooting from above. I try to reproduce the point of view of a scientist, I imagine to watch people living their everyday life seeing through the lens of a microscope, distributed as electrons in an experiment. I attempt to be like quantum physicists trying to live the paradox of objectively observing life, knowing that I am affecting it at the same time.

I openly want to highlight how much we are used to observe everyday life from a customary point of view, which surely is personal, but it is such a habit that we often forget what we are doing. I would underline how, not only our ideas about existence, but even our forgetfulness about the process of watching, could influence and determine its outcome.

I have titled each composition Distribution to point out how people and things distribute themselves in a space. To raise the viewer’s attention I have tried to compose different and sometimes very distant images that apparently look like fairly similar, where consistency is rather a consequence of their form than content.

Un altro punto di vista è un progetto di foto e composizioni ispirate alla fisica quantistica. Nel regno della fisica quantistica, l’atto di osservare qualche cosa influenza il processo fisico che si sta svolgendo. Stupita da questa informazione, ho fatto un paragone con la fotografia, processo in cui un fotografo sceglie e seleziona porzioni di realtà e le rappresenta attraverso il suo linguaggio. Ciò che vediamo in una foto è certamente un’interpretazione del mondo osservato.

(altro…)

[:en]Water is the power generating forms in this series of photos, whether it is an abstract background for a flying bird, or the element that transforms sturdy building into fainting apparition. Water is a surface to go through, to cross, even to scratch, or, at the opposite, a solid flat surface reflecting images more or less abstract. This is an invitation: after a first moment of possible disorientation, the viewer may restructure forms through tangible clues, it is an encouragement to a mental reorganization of what it doesn’t appear in the representation or that has been transformed by water. Through the thread of his visual sense he might eventually go back to the tangible figure that has generated the image.

[:it]In questa serie di scatti l’acqua è il generatore delle forme, che sia essa lo sfondo astratto del volo di un uccello o l’elemento trasformatore di solide architetture in inconsistenti apparizioni. L’acqua come superficie da percorrere, attraversare, perfino scalfire, o all’opposto, solido piano specchiante immagini che, per via di riflessione, diventano più o meno astratte. Si tratta di un invito affinché, dopo un primo possibile momento di spaesamento, l’osservatore riorganizzi le forme attraverso gli indizi del reale, un’esortazione alla ricomposizione mentale di ciò che non appare direttamente nella rappresentazione o che dall’acqua è stato trasformato, di modo che, attraverso il filo della percezione visiva, risalga verso quelle figure concrete che hanno generato l’immagine.

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[:en]nameless is a project about the possibility of being.

how many possibilities exist in everyone?

the consciousness of everything we could be is such an incredible acknowledgement that we are used to delegate clothes, objects, movements, to define our identities and make it more or less readable to the external world.

nameless is a series of 36 portraits of possible people: they are made putting together a photo and a text representing real people, but they are causally coupled.

[:it]senza nome è un progetto che vuole esplorare le possibilità dell’essere.

Quante possibilità di essere coesistono in noi?

La consapevolezza di tutto ciò che potremmo essere è un’informazione così sovrastante che ci atterrisce e deleghiamo ai vestiti, agli oggetti, ai gesti, la definizione della nostra identità, che sia, agli occhi del mondo esterno, chiaramente leggibile o criptica o comprensibile solo per affinità elettiva.

senza nome è una serie di 36 ritratti realizzati associando una foto e un testo che si riferiscono a persone reali: la descrizione scritta, però, non corrisponde alla foto a cui è associata.

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